Tuesday, July 12, 2011

Jim Campbell: cuando la luz se vuelve movimiento

Notas sobre el recorrido con el artista en su muestra 
en la Fundación Telefónica desde 
el 8 de julio al 1 de octubre.


Usualmente cuando hablamos de las últimas tecnologías y de los diodos emisores de luz o LED por sus siglas en inglés (Light-Emiting Diode) imaginamos la más alta resolución y definición de una imagen.  Pero en la más reciente exhibición del artista estadounidense Jim Campbell, licenciado en ingeniería eléctrica y matemáticas del Massachusetts Institute of Technology (MIT), titulada Tiempo estático ocurre lo contrario y reflexiona mucho más allá de la luz.

Esta exhibición está conformada por obras realizadas durante los últimos 20 años en las que el artista explora el movimiento físico de los seres humanos y de la naturaleza así como las cuestiones relacionadas al tiempo (movimiento), memoria y percepción.

El pasado 15 de julio Campbell realizó un recorrido por la exhibición.  Escuchar a este genio fue lo mejor que me pasó esta semana y comprender sus obras desde la voz del artista es "otra cosa", además que no creo que hubiese entendido la muestra tan bien sin él.  A continuación me propongo a reponer un poco lo que el artista estuvo contando durante el mismo.  

Still de Motion & Rest 5. 2002
Hace 11 años Campbell inició una investigación sobre la baja resolución y los límites de la percepción bajo el estudio de imágenes en movimiento.  Es así como comienza una serie de obras que él mismo denomina como experimentos artísticos.  Obras en las que se enfoca más en la comprensión y el sentido que en el detalle.

En la obra Motion & Rest 5 (2002, circuito electrónico adaptado, 768 LED) el artista abstrae el movimiento de una persona discapacitada caminando.  Para modificar la imagen a una resolución muy baja utiliza un panel de 768 luces LED (cada uno representando un pixel) provocando que desaparezca todo detalle excepto el movimiento.  De esta manera el espectador no puede identificar si es hombre o mujer, el tipo de ropa que lleva u otros detalles.  Según el artista “es como destilar el movimiento de la imagen”. 

En este momento, a raíz de una pregunta del público, el artista hace mención de la razón por la cual utiliza a un discapacitado comentando que lo hizo en referencia a sus padres.  Era la primera obra en la que combinaba tecnología y contenido por lo que quería problematizar la situación que vivía a diario con sus padres y sobre cómo se lidiaba en Estados Unidos con los discapacitados.  Según el artista, en esta obra la tecnología elimina el detalle así como ocurre con los discapacitados en la cultura norteamericana.

La esencia del trabajo de Jim Campbell radica en la creación de estructuras a base de pixeles.  Es así como experimenta sobre la manera en que el cerebro entiende o decodifica las obras.  Compara las formas de ver de cerca (close-up) o de lejos y las imágenes que se extraen de ellas.  No es lo mismo verlas pixeladas en LED o a través de una pantalla o filtro que, aunque da un efecto borroso, define un poco mejor la imagen.  Si nos alejamos de la obra la imagen se vuelve más clara.  Según el artista, este tipo de pantallas las utiliza para controlar la visibilidad de la estructura del píxel pero las aplica finalizar una obra pues es ahí cuando decide cuán abstracta quiere que sea la misma.

Divide. 2002
Es aquí cuando Jim Campbell hizo lo que hace que valga la pena enormemente asistir a estos recorridos.  Quitó manualmente la pantalla de la obra Divide (2002, Circuito electrónico adaptado, 1.728 LED, pantalla de difusión de Duratrans montada, plexiglás tratado) para comprobar su hipótesis.  Luego la puso sobre la obra Motion & Rest 5 (2002) y todos quedamos impresionados de la definición que añadía el uso de este filtro. 

A continuación, nos acercamos a la obra Home movies 560-1 (2011, videoinstalación, circuito electrónico adaptado, 560 LED), una de mis favoritas!


Realizada con películas caseras que fue comprando por eBay se presentan situaciones familiares u hogareñas de individuos anónimos.  Comenta que cuando comenzaron a salir las grabadoras de video caseras la gente no tenía por dónde observar lo que se estaba grabando haciendo que el video pudiera ser algo inesperado o no pensado de tal manera.  Añade que para esta obra se basó en el Principio de la incertidumbre de Heisenberg y que, a través de una serie de LEDs que proyecta sobre la pared como si fuera una cortina de luces crea una imagen.  Con esta obra comprueba los dos factores que definen la apreciación de sus obras: la escala y resolución, pues permiten apreciarla completamente o simplemente ver luz.
Sobre este asunto Richard Shiff comenta en el artículo "Look to See by Looking":
"Reintroducen la experiencia oscilante de tener conciencia del aparato de proyección y ver simultáneamente la imagen expresiva en tiempo mecanizado. El aparato agrega su propio grado de expresividad, afectando las emociones del observador, aunque sólo sea al crear obstáculos para la recepción de un único canal de denotación. La presencia ineludible del sistema de proyección bloquea la nitidez propia de la imagen y reduce la baja resolución a un nivel aún menor." Fuente
Vista de Sala. Primer plano: Exploded View (2011).
En el fondo: Fundamental Interval Commuters #2 (2010)
Por otro lado, en un área más oscura se presenta la obra Exploded View (2011, hileras de luces LED en una trama de 182,87cm de ancho por 38,10 de profundidad), una instalación con luces suspendida del techo que forma una especie de caja rectangular.  Según Campbell, esta obra fue concebida como un experimento que pensaba que iba a fracasar pero al final resultó muy interesante.  Recalcó que aunque esta obra es tridimensional debe contemplarse frontalmente, contrario a los presupuestos de una obra con tales características, y con bastante distancia entre la obra y el espectador.  La misma es un prototipo de una obra que hizo en el Madison Square Park en el 2010 y próximamente presentará una versión más grande en el Museo de Arte Moderno de San Francisco.

Fundamental Interval Commuters #2 (2010, circuito electrónico adaptado, 1.728 LED, pantalla de difusión de Duratrans montada y plexiglás tratado) parte de una serie en las que utiliza una cámara fija para marcar el tiempo -el tiempo del paso de una persona al caminar que dura aproximadamente 1/2 segundo (por eso en la imagen algunas personas parecen tener una sola pierna)-.  He aquí la razón del título de la obra: es el intervalo fundamental!

"Pasar a las tres dimensiones me tomó 20 años"

Al artista lo guía el deseo de ver y conocer lo que se puede llegar a sentir ante la obra, la esencia del movimiento y su relación con el tiempo.  Así, durante estos últimos 20 años, ha conformado un cuerpo de obras que él mismo divide en: Instalaciones (sus primeras obras), Obras de memoria, Obras de imágenes fijas (en cajas de luces) y Obras de baja resolución.  

Campbell también reconoció que hay obras que son totalmente abstractas hasta que se lee el título pues dice que son "simples palabras que lo relatan todo".  Por ejemplo, la obra A Fire, a Freeway and a Walk (1999-2000, circuito electrónico adaptado, 42 LED y terciopelo) es su obra más abstracta y de las pocas que son a color pues usa pixeles en RGB por lo que también contienen más información.  A pesar de su abstracción se puede llegar a codificar y apreciar todo lo que nos presenta en una obra tan simple.
A Fire, a Freeway and a Walk. 1999-2000
Dentro de todo esta generación de imágenes de baja resolución y LEDs el artista busca generar otra percepción de la realidad pues considera que los nuevos medios permiten ver las cosas de otro modo y en ocasiones se pierden muchos aspectos o elementos.  Señala entonces que estas obras presentan lo que en cierta forma se pierde.  (en la reseña que escribí sobre la exhibición de Pierrick Sorin en el MAMBA comenté también sobre la percepción de la realidad que Sorin realiza también con obras en nuevos medios. Presiona aquí para leer la reseña).

"Pensaba que era original pero 
es un deseo de hace 100 años"

Así comenta Campbell en relación a las obras que se encuentran en la planta baja de la Fundación Telefónica y que componen los grupos de obras de imágenes fijas y de memoria.  En estas obras el artista trabaja sobre el colapso del tiempo utilizando en un inicio películas como las de Alfred Hitchcock y Orson Wells, pero luego, al investigar un poco más -pues este artista no se formó originalmente en artes-, se dio cuenta que eran experimentos que ya habían practicado hace un siglo como lo hicieron los Futuristas en su momento.  Estas imágenes fueron realizadas sin trípode por lo que perciben el movimiento del sujeto y el del artista creando así la combinación de marcos de referencia.

Illuminated Average: Hitchcock's Psycho. 2000
Promedio de 1 hora 50 minutos (film completo)
Duratrans y caja iluminada
Dynamism of a Cyclist after Umberto Boccioni. 2000
Promedio de 90 segundos. Duratrans y caja iluminada
Dentro de su investigación descubrió también que para la época en que realizaba estas obras otros artistas estaban haciendo lo mismo.  ¿por qué? ¿por qué luego de 100 años?  El artista concluye que fue por un cambio de pensamiento o paradigma pues se presentan imágenes en movimiento no como una película sino como datos.  De cierta forma esta reflexión se relaciona con el título de la muestra: Tiempo estático.

Sobre las obras de memoria comenta que las hizo para la época en que realizaba obras interactivas pero sentía que le faltaba expresión personal.  Consideraba que eran dead interactive works pues aunque utilizaba toda la tecnología como sensores, memorias, luces y demás, el público no hacía nada.  No obstante, lo más que le importa es que presentan una analogía sencilla entre la memoria humana y la memoria de la computadora.  Observa que los recuerdos de nuestra memoria no tienen una representación perfecta lo cual considera ocurre lo mismo con las de las computadoras (representación de los datos digitales).  
Izquierda: Portrait of My Father. 1994-95
Derecha: Photo of My Mother. 1996
Por ejemplo, la obra Portrait of My Father (1994-95, circuito electrónico adaptado, vidrio, fotografía y material LCD) presenta la memoria y la representación de la memoria basada en el desvanecimiento y definición de la imagen a través del cristal ocurrido de acuerdo a los latidos de su corazón que grabó por un periodo de 8 horas una noche mientras dormía.  
I Have Never Read the Bible. 1995
En la obra I Have Never Read the Bible (1995, diccionario Webster's, parlante y circuito electrónico adaptado) el artista susurra la Biblia deletreando palabras pero en realidad lo que susurra son las letras del alfabeto aleatoriamente con el Requiem de Mozart de fondo de manera que cada letra se asocia con un fragmento de la música.

Cuando sigue describiendo su propuesta sobre la memoria comenta sobre la relación entre las mismas y hace mención del cliché de la foto como memoria.  Aunque en Photo of My Mother (1996, circuito electrónico adaptado, vidrio, fotografía y material LCD) utiliza una foto, en realidad la memoria se presenta por el flujo de su respiración que se percibe en el cristal que se opaca y aclara según su flujo.
Vista de sala. Izquierda: Digital Watch. 1991;
Derecha:
Frames of Reference. 1996-98
Por último, para comentar sobre una instalación, Digital Watch (1991, dos videocámaras blanco y negro, monitor de video de retroproyección empotrado de 50", circuito electrónico adaptado y reloj) presenta a primera vista el reflejo instantáneo de la persona que se ubica frente a la cámara pero debido a la tecnología que usó ocurre un poco de delay entre la acción y la proyección haciendo que no ocurra la retroalimentación esperada.  Así, el artista quiso romper con lo inmediato; como lo que sucede con la gente saludando a la cámara.

Esto fue básicamente todo lo que el artista estuvo comentando sobre su obra durante un recorrido que superó la hora y estaba copado de gente.  Los que tengan la oportunidad de ir no se la deben perder!!!!! Está genial!


* Algunas imágenes fueron extraídas de la página web del artista.

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